Art Basel 2024 Recap
Art Basel hat erneut bewiesen, warum sie die unangefochtene Spitze der zeitgenössischen Kunstwelt ist. Über drei eindrucksvolle Tage hinweg konnten Sammler, Kuratoren und Kunstliebhaber eine Vielfalt an wegweisender Kunst, innovativen Installationen und aufstrebenden Talenten erleben. Die diesjährige Veranstaltung unterstrich die Lebendigkeit und Vielfalt der zeitgenössischen Kunst.
ART BASEL ARTISTS TO WATCH
„Ich mochte es tatsächlich immer, wenn meine Arbeit in eine neue Bewegung einbezogen wurde, auch wenn das Label einschränkend ist und selbst wenn die Bewegung nur eine Modeerscheinung ist, weil der Anspruch die Arbeit verändert. Nicht physisch, natürlich – aber das Verständnis davon, sowohl für mich als auch für andere.“ - John Armleder
John Armleder, ein Schweizer Künstler, ist bekannt für sein vielfältiges und eklektisches Werk, das Malerei, Skulptur und Installationskunst umfasst. Als zentrale Figur der Neo-Geo-Bewegung zeichnet sich Armleders Kunst durch ihre Erforschung der geometrischen Abstraktion, konzeptionelle Strenge und einen lebendigen Dialog mit der Kunstgeschichte und zeitgenössischen Kultur aus. Seine Arbeiten verwischen oft die Grenzen zwischen hoher Kunst und Alltagsgegenständen und schaffen visuell beeindruckende und zum Nachdenken anregende Stücke.
What makes Armleder’s art so intriguing is his ability to seamlessly blend different styles and mediums, incorporating elements of minimalism, pop art, and abstract expressionism. This eclectic approach not only challenges traditional artistic norms but also invites viewers to engage with his work on multiple levels.
Armleders Kunstwerke befinden sich in zahlreichen renommierten Sammlungen weltweit darunter das Centre Pompidou in Paris, das Museum of Modern Art in New York, das Long Museum in Shanghai, China, das Getty Research Institute in Los Angeles, das Kunstmuseum Basel in der Schweiz, die Museion Foundation – Museum für moderne und zeitgenössische Kunst in Bozen, Italien, und das Moderna Museet in Stockholm, Schweden.
Claudia Wieser ist eine zeitgenössische deutsche Künstlerin, die für ihre geometrischen Abstraktionen und facettenreichen Installationen bekannt ist, die Elemente der bildenden Kunst, des Designs und der Architektur elegant miteinander verbinden. Inspiriert von den Prinzipien des Bauhauses und den ästhetischen Idealen der Moderne, zeichnen sich Wiesers Arbeiten oft durch komplexe Muster, verspiegelte Oberflächen und ein harmonisches Zusammenspiel von Farbe und Form aus. Ihre Kunst fesselt die Betrachter durch ihre akribische Handwerkskunst und die ruhigen, dennoch dynamischen Umgebungen, die sie schafft, und lädt zur Reflexion und Interaktion ein.
Wiesers Werke sind in mehreren renommierten Sammlungen vertreten, darunter die Kunstsammlung der Deutschen Bundesbank in Frankfurt, die Krupp Family Foundation in Boston, die Cleveland Clinic in Cleveland, die Jill and Peter Kraus Collection in New York, die Kunstsammlung der Deutschen Flugsicherung in Langen, die Sammlung Schürmann in Herzogenrath und die Zabludowicz Collection in London.
„Meine Arbeit verbindet Elemente der Geometrie und Abstraktion mit einem intuitiven Gespür für Harmonie und Balance, um eine visuelle Sprache zu schaffen, die sowohl poetisch als auch kraftvoll ist.“ - Claudia Wieser
„Meine Arbeit ist eine Feier der Farben und Muster, eine visuelle Symphonie, die sowohl die brasilianische Kultur als auch die Modernität widerspiegelt. Ich strebe danach, eine dynamische und lebendige Welt zu erschaffen, in der sich Tradition und zeitgenössische Elemente harmonisch vereinen.“ - Beatriz Milhazes
Beatriz Milhazes ist eine brasilianische Künstlerin, die für ihre schillernd lebendigen Gemälde bekannt ist, die abstrakte Formen mit Elementen der brasilianischen Kultur verschmelzen. 1960 in Rio de Janeiro geboren, hat Milhazes einen unverwechselbaren Stil entwickelt, der sich durch komplexe Muster, kräftige Farben und eine verspielte Mischung aus geometrischen und floralen Motiven auszeichnet. Ihre Arbeiten spiegeln oft die rhythmische Energie des brasilianischen Lebens wider und integrieren Einflüsse des Karnevals, tropischer Flora und der reichen künstlerischen Traditionen des Landes.
Was Milhazes‘ Kunst besonders fesselnd macht, ist ihre innovative Technik, bei der sie bemalte Elemente schichtet und von Plastikfolien auf die Leinwand überträgt, wodurch ein texturierter, collageartiger Effekt entsteht. Dieser akribische Prozess führt zu Kunstwerken, die zugleich geordnet und überschwänglich, abstrakt und doch tief evocativ für die natürliche und kulturelle Lebendigkeit Brasiliens sind.
Milhazes‘ Werke sind in zahlreichen Sammlungen vertreten, darunter21st Century Museum of Contemporary Art in Kanazawa, Japan; das Birmingham Museum of Art in Alabama; das Carnegie Museum of Art in Pittsburgh, Pennsylvania; das Centre Georges Pompidou in Paris, Frankreich; die Coleção Berardo in Lissabon; die Fundação Edson Queiroz in Fortaleza, Brasilien; die Fundación La Caixa in Madrid; das Museu de Arte Moderna de São Paulo; das Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro; das Metropolitan Museum of Art in New York.
Joel Mesler ist ein zeitgenössischer Künstler, der für seine lebendigen, textbasierten Gemälde bekannt ist, die autobiografische Elemente mit spielerischen, oft provokativen Phrasen verbinden. Meslers Kunst zeichnet sich durch eine einzigartige Mischung aus persönlicher Erzählung und universellen Themen aus, die in kräftigen Farben und dynamischen Kompositionen dargestellt werden und die Betrachter in seine introspektive, aber ansprechende Welt ziehen. Seine Werke thematisieren oft Identität, Selbstreflexion und das menschliche Erlebnis und sind sowohl visuell beeindruckend als auch tief berührend.
„Ich hatte immer das Gefühl, dass ein Werk, sobald man es beginnt, einen auf eine Reise mitnimmt. Für mich bestand die Herausforderung darin, herauszufinden, wie ich mich dem hingeben kann.“ - Nari Ward
Nari Ward ist ein renommierter zeitgenössischer Künstler, der für seine innovative Verwendung von gefundenen Objekten und Alltagsmaterialien bekannt ist, um zum Nachdenken anregende Installationen und Skulpturen zu schaffen. 1963 in Jamaika geboren und in New York ansässig, erforscht Ward in seiner Arbeit Themen wie Identität, Rasse, Migration und das sozio-politische Umfeld. Seine Kunst zeichnet sich durch ihre reiche narrative Qualität aus und die Fähigkeit, weggeworfene Gegenstände in eindringliche Kommentare über Gesellschaft und Kultur zu verwandeln.
Wards Werke sind in zahlreichen internationalen öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten, darunter die Albright-Knox Art Gallery in Buffalo, NY; das Baltimore Museum of Art in Baltimore, MD; das Blanton Museum of Art in Austin, TX; das Brooklyn Museum in New York, NY; das Crystal Bridges Museum of American Art in Bentonville, AR; die GAM, Galleria Civica di Arte in Turin, Italien; das Institute of Contemporary Art in Boston, MA; das Istanbul Modern in Istanbul, Türkei; das Museum of Contemporary Art in Los Angeles, CA; das Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean in Luxemburg; das Museum of Modern Art in New York, NY; das Nasher Museum of Art an der Duke University in Durham, NC; die National Gallery of Victoria in Southbank, Australien.
Austyn Weiner ist eine zeitgenössische Künstlerin, die für ihre fesselnde Verwendung von Farben und innovativen Kompositionen bekannt ist, die die Schnittstelle von Identität, Sexualität und der menschlichen Existenz erforschen. Ihre Arbeiten zeichnen sich durch dynamische Pinselführung, lebendige Farbtöne und ein ausgeprägtes Gespür für emotionale Intensität aus, wodurch jedes Stück zu einem beeindruckenden visuellen Erlebnis wird. Weiners Fähigkeit, rohe Emotionen mit abstrakten Elementen zu verbinden, schafft eine einzigartige Erzählung, die auf mehreren Ebenen bei den Betrachtern Anklang findet.
Was Weiners Kunst besonders interessant macht, ist ihre Technik, Texturen und Farben in Schichten aufzutragen, was ihren Leinwänden Tiefe und Komplexität verleiht. Ihre Werke rufen oft ein Gefühl von Vertrautheit und Geheimnis hervor und laden die Betrachter ein, die komplizierten Details und zugrunde liegenden Geschichten in jedem Werk zu erkunden.
Austyn Weiners Kunstwerke sind in mehreren renommierten Sammlungen vertreten, darunter das Aurora Museum in Shanghai, das Xiao Museum in Rizhao in der Provinz Shandong, das He Art Museum (HEM) in Shunde in der Provinz Foshan, die Green Family Art Foundation in Dallas, das Deiji Art Museum in Nanjing und das Space K in Seoul, Südkorea.
„Meine Kunst ist ein ständiger Dialog zwischen Emotion und Instinkt, ein Ausdruck meiner inneren Landschaft in lebendigen Farben und dynamischen Formen.“ - Austyn Weiner
„Meine Kunst strebt danach, Schichten von Zeit, Erinnerung und Geschichte zu erfassen, indem ich verschiedene Elemente übereinanderlege und so neue Bedeutungen und visuelle Erlebnisse erschaffe.“ - Idris Khan
Idris Khan ist ein zeitgenössischer Künstler, der für seine fesselnde Verwendung von Schichtungen und innovativen Kompositionen bekannt ist, die Themen wie Erinnerung, Geschichte und Spiritualität erforschen. Seine Werke zeichnen sich durch dynamische Pinselstriche, monochromatische Farbtöne und ein ausgeprägtes Gespür für Tiefe aus, wodurch jedes Stück zu einem beeindruckenden visuellen Erlebnis wird. Khans Fähigkeit, mehrere Bilder und Texte zu verschmelzen, schafft eine einzigartige Erzählung, die auf mehreren Ebenen bei den Betrachtern Anklang findet.
Was Khans Kunst besonders interessant macht, ist seine Technik, Texturen und visuelle Elemente in Schichten aufzutragen, was seinen Leinwänden Tiefe und Komplexität verleiht. Seine Werke rufen oft ein Gefühl von Vertrautheit und Geheimnis hervor und laden die Betrachter ein, die komplizierten Details und zugrunde liegenden Geschichten in jedem Werk zu erkunden.
Seine Werke befinden sich in den ständigen Sammlungen vieler Institutionen weltweit, darunter die Saatchi Collection in London, England; das San Francisco Museum of Modern Art; das Solomon R. Guggenheim Museum in New York; das Tel Aviv Museum of Art in Israel; die Art Gallery of New South Wales in Sydney, Australien; das Philadelphia Museum of Art; das de Young Museum in San Francisco und das Centre Georges Pompidou in Paris, Frankreich.
Kenjiro Okazaki ist ein zeitgenössischer Künstler, der für seinen innovativen Einsatz von Form und Raum bekannt ist und die Schnittstelle von Skulptur, Malerei und Architektur erforscht. Seine Werke zeichnen sich durch akribische Handwerkskunst, dynamische Kompositionen und ein ausgeprägtes Gespür für Harmonie aus, wodurch jedes Stück zu einem beeindruckenden visuellen Erlebnis wird. Okazakis Fähigkeit, traditionelle japanische Ästhetik mit modernen Techniken zu verbinden, schafft eine einzigartige Erzählung, die auf mehreren Ebenen bei den Betrachtern Anklang findet.
Was Okazakis Kunst besonders interessant macht, ist seine Technik, vielfältige Materialien und geometrische Formen zu integrieren, was seinen Kreationen Tiefe und Komplexität verleiht. Seine Werke rufen oft ein Gefühl von sowohl Ordnung als auch Spontaneität hervor und laden die Betrachter ein, die komplizierten Details und zugrunde liegenden Strukturen in jedem Werk zu erkunden.
Kenjiro Okazakis Kunstwerke sind in zahlreichen renommierten Sammlungen weltweit vertreten, darunter die Agency for Cultural Affairs in Tokio, Japan; das Aichi Prefectural Museum of Art in Nagoya, Japan; das Benesse Art Site Naoshima in Kagawa, Japan; BY ART MATTERS in Hangzhou, China; das Chiba City Museum of Art in Chiba, Japan; Faret Tachikawa in Tokio, Japan; Fukuyama City in Hiroshima, Japan; das Hiroshima City Museum of Contemporary Art in Hiroshima, Japan; die Hiroshima Prefectural Women’s University in Hiroshima, Japan; das Hyogo Prefectural Museum of Art in Hyogo, Japan; das Iwaki City Art Museum in Iwaki, Japan; das Kitakyushu Municipal Museum of Art in Kitakyushu, Japan; die Mitaka City Arts Foundation in Tokio, Japan; das Museum of Contemporary Art in Tokio, Japan; das Museum of Modern Art in Toyama, Japan; das National Museum of Art in Osaka, Japan; das National Museum of Modern Art in Tokio, Japan.
„Meine Kunst ist ein Dialog zwischen Form und Raum, ein Versuch, die unsichtbaren Verbindungen und Energien, die die Welt durchziehen, sichtbar zu machen.“ - Kenjiro Okazaki
Art Collecting is a Journey. Art Consulting a Dialogue. Both start with Hello.
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